EL MUSEO DE ARTE CARRILLO GIL HA SIDO UN ESPACIO DE EXPERIMENTACIÓN PARA NUMEROSOS ARTISTAS Y CURADORES DESDE SU INICIO. SIEMPRE DESEANDO QUE LA INSTITUCIÓN REBASARA LOS LÍMITES DE LO QUE SE CONSIDERABA PERMISIBLE, COMENZÓ A CONSOLIDARSE COMO UNA SUERTE DE LABORATORIO. CUAUHTÉMOC MEDINA, QUIEN AHORA ES CURADOR DEL MUAC, INICIÓ SU CARRERA LABORAL EN EL MACG. ARTISTAS COMO EDUARDO ABAROA COMENZARON A CREAR EN EL MUSEO DESDE UNA TEMPRANA EDAD, DESCUBRIENDO AHÍ SUS VOCACIONES COMO CURADORES O ARTISTAS.
ESTE RECINTO ES EL ÚNICO CAPAZ DE PRESENTAR UNA EXPOSICIÓN COMO “EMBALSAMADA CON PICANTE”.
UNA EXPOSICIÓN DONDE LAS PALABRAS NO SON SUFICIENTES PARA DESCRIBIRLA: COMPLEJA, JUGUETONA, HISTÓRICA Y, SOBRE TODO, UNA EXPERIENCIA QUE PUEDE MANIFESTARSE EN CADA UNA DE NOSOTRAS. COMO MENCIONA ISABEL SONDERÉGUER, CURADORA DE LA EXPOSICIÓN, ENTRAR CON LA SENSIBILIDAD DE UNA ARQUEÓLOGA, TAL COMO LA MISMA ARTISTA SE HA DENOMINADO EN ALGUNAS OCASIONES, ES ESENCIAL PARA QUE SE PRODUZCA UNA TRANSMUTACIÓN METAFÍSICA, EN CUALQUIERA QUE SE ATREVA A SENTIRSE INCÓMODO Y ASOMBRADO POR LA SALA QUE CONTIENE A ESAS DIOSAS, TAN PRESENTES Y RECONFORTANTES.
ISABEL SONDERÉGUER NOS PRESENTA A PROFUNDIDAD LA EXPOSICIÓN:
ESTA SALA ES UNA TUMBA ANTIGUA, UN RELICARIO, UN ALMACÉN QUE CONTIENE NUESTROS MÁS PROFUNDOS DESEOS Y PREOCUPACIONES ARTÍSTICAS, UN CLÓSET DONDE CUELGAN LAS PIELES Y CUERPOS DE AQUELLAS MUJERES QUE SE VIERON OBLIGADAS A MUTAR PARA SUPERAR LA ADVERSIDAD.
PARA ENTRAR A ESTE ESPACIO SAGRADO ES NECESARIO QUE REALICEN CON NOSOTRAS UN EJERCICIO IMAGINARIO, E INGRESEN ENTONCES COMO ARQUEÓLOGAS A INSPECCIONAR ESTA RUINA, Y RESCATAR DE ENTRE LOS ESCOMBROS UNA SERIE DE PISTAS QUE PERMITEN DESCIFRAR UNA MITOLOGÍA QUE NO NOS QUEDA DEL TODO CLARA. YA EN SU INTERIOR, PODEMOS VISLUMBRAR LAS FORMAS DE VIDA DE UNA CIVILIZACIÓN DESCONOCIDA, CONGELADA EN UNA TEMPORALIDAD PARALELA; CIVILIZACIÓN COMPUESTA POR UNAS FIGURAS FEMENINAS CUYA CARNE FUE TRANSFORMADA POR EL FUEGO, PARA SOBREVIVIR LOS RITOS IMPUESTOS POR LA MASCULINIDAD Y LAS PEDAGOGÍAS DE LA CRUELDAD. ENTRAR A LA SALA ES INTENTAR RECONSTRUIR SU HISTORIA, Y A TRAVÉS DE LA ANATOMÍA INTERMITENTE DE ESTAS QUIMERAS, CONSTRUIR UN CAMINO QUE LIBERE NUESTROS PROPIOS CUERPOS.
NICOLE CHAPUT ES UNA ARTISTA QUE, A PESAR DE TODO, SE SIGUE AUTODENOMINANDO “PINTORA”. INSISTIR CON LA PINTURA, TIENE PARA ELLA UNA RAZÓN PARTICULAR: RETOMAR UN MEDIO ARTÍSTICO, QUE HA SIDO HISTÓRICAMENTE EL MECANISMO PREDILECTO DE LOS APARATOS DEL PODER PATRIARCAL, PARA DICTAR EL “DEBER SER” DE LA APARIENCIA FÍSICA, ASUMIENDO UNA RESPONSABILIDAD DE CONFRONTAR Y TRANSFORMARLO DESDE ADENTRO. LA PINTURA ADEMÁS, HA “EMBALSAMADO” LOS CUERPOS DE QUIENES REPRESENTA DESDE UNA MIRADA MASCULINA: LOS MANTIENE DE UNA SOLA FORMA, ETERNAMENTE, PRIVÁNDOLOS DEL DERECHO A EVOLUCIONAR. AQUÍ, EL MEDIO PICTÓRICO SE DESDOBLA Y EL BASTIDOR SE CONVIERTE EN UN EXPOSITOR GIRATORIO A ESCALA HUMANA, QUE PERMITE COMBINAR TRES CUERPOS FEMENINOS FRAGMENTADOS.
EN LA PRÁCTICA DE CHAPUT SE ENTREMEZCLAN REFERENTES A: LA LITERATURA, EL UNIVERSO DE LA MODA Y LA HISTORIA DEL ARTE. ESTAS OBRAS DESPLIEGAN CITAS A PINTORES COMO INGRES, SCHIELE Y SIQUEIROS, ENTRE MUCHOS OTROS, Y VUELVEN CORPÓREOS FRAGMENTOS, QUE VAN DESDE EL GUARDARROPA VIRTUAL DE CHER HOROWITZ DE CLUELESS (1995), LA ANIMALIDAD EN COLECCIONES COMO VOSS DE ALEXANDER MCQUEEN (2001), LA CARNICERÍA LÍRICA DE SYLVIA PLATH O LAS “MUJERES ARDIENTES” DE MARIANA ENRIQUEZ. LAS MUJERES ESCAPARATE QUE HABITAN LA SALA, PROTESTAN EN CONTRA DE LOS CÁNONES DE BELLEZA IMPUESTOS SOBRE LOS CUERPOS FEMENINOS, A TRAVÉS DE ESTAS ESFERAS CULTURALES.
“EMBALSAMADA CON PICANTE”, ES UN CADÁVER EXQUISITO DE MUJERES QUE, DE TANTO VERSE REPRESENTADAS POR OJOS QUE NO ERAN LOS DE ELLAS, EMPEZARON A MUTAR. UN ESPACIO QUE LAS HONRA, QUE LES DEVUELVE SU DERECHO A LA TRANSFORMACIÓN Y A SER GROTESCAS; QUE MUESTRA AQUELLO QUE NOS IRRITA Y NOS QUEMA; QUE SUGIERE UN CAMINO PARA RENACER DESPUÉS DEL INCENDIO, A PARTIR DE LAS BRASAS.
SE EVIDENCÍA UNA COMUNICACIÓN HORIZONTAL ENTRE NICOLE CHAPUT (LA ARTISTA) E ISABEL SONDERÉGUER (LA CURADORA); SU CONEXIÓN Y DIÁLOGO TRASCIENDEN LOS LÍMITES DE LAS REFERENCIAS QUE PODRÍAS ENCONTRAR EN UNA EXPOSICIÓN DE ESTE TIPO. CADA DETALLE DENTRO DE LA SALA, ESTÁ CUIDADOSAMENTE PENSADO Y HACE REFERENCIA A ALGO QUE INSPIRA A AMBAS. NICOLE, ¿CUÁLES FUERON LAS PARTICULARIDADES DE TRABAJAR CON EL APOYO DEL MACG?
Nunca antes había tenido la oportunidad, ni el lujo, de recibir un acompañamiento curatorial como este. Tuvimos una excelente química y nos convertimos en amigas durante este proceso, se volvió muy íntimo.
Ambas contribuimos y fue un proceso en el que le compartía todo lo que pintaba a Isabel; construimos a cada diosa con una historia y detalles propios, lo que convierte a cada cuerpo en un relicario lleno de secretos, historias y amuletos.
Hubo una gran cantidad de diálogo para crear estos personajes, definir sus características específicas y peculiaridades individuales. Cada pequeño elemento tiene una historia detrás, como la sirena, orisha lemanjá, divinidad del mar y la fertilidad, que surgió de un cuento infantil, o el corset de Voss (2001) de Alexander McQueen.
LOS LIENZOS NO SON LOS TRADICIONALES, SINO QUE ESTÁN HECHOS DE MEZCLILLA DESLAVADA CON BASES DE MADERA DETRÁS, LO QUE DESCOMPONE LA PROPIA ESTRUCTURA DEL CUERPO DE LA PINTURA, SU ESQUELETO. LAS VIBRANTES PINCELADAS DE CHAPUT HACEN QUE ESTA OBRA SE INTEGRE COMO UN CONJUNTO, CON SUS CARACTERÍSTICAS BIDIMENSIONALES Y TRIDIMENSIONALES, CREANDO A CADA DIOSA EN SU EXISTENCIA, MÁS ALLÁ DE LO PLANO. ME PODRÍAN PLATICAR ¿CUÁL FUE LA DECISIÓN DETRÁS DE LOS MATERIALES SELECCIONADOS PARA ESTA EXPOSICIÓN?
Nicole: La mezclilla es un material que no se relaciona comúnmente con el arte, a diferencia del lienzo, que es un material artístico. La mezclilla es algo que siempre roza la piel y el cuerpo. Este roce, es una intimidad constante.
Isabel: Parte del propósito del cuarto es impulsar al artista a hacer cosas que nunca ha hecho. Nicole nunca había hecho una obra 3D. Experimentar es una de las bases de está sala, pensada para artistas menores de 30 años, que tengan previa experiencia con exposiciones en galerías. Queremos ver hasta dónde nos lleva ese experimento.
NICOLE, ¿CUÁLES FUERON LAS SORPRESAS DURANTE EL PROCESO DE CREACIÓN DE LA OBRA?
Tengo una formación muy académica y me he resistido mucho a ella. No me gusta que en la pintura existan encuadres establecidos, porque eso hace que el cuerpo esté mutilado. Para esta exposición, los cuerpos se resolvieron rápidamente, a través de referencias y bocetos; eso me permitió regresar a ser pintora, retomar el acto de pintar como una acción específica.
Permitirme preguntas técnicas: ¿Cómo hacer que estas imágenes ganen carne? ¿Colores complementarios para hacer gris? ¿Cómo hacer estampados o texturas específicas?
Para crear a cada una de estas mujeres/diosas, tengo que escucharlas, entender qué necesitan. Durante tres meses, pasé más de tres horas en partes específicas de cada una de ellas. Necesitaba conocer quiénes eran, sus narrativas.
ISABEL, ¿EN QUÉ MEDIDA LA VIDA DIGITALIZADA EN LA QUE VIVIMOS SIGNIFICA UN RETO PARA TU TRABAJO? ¿CUÁL HA SIDO SU VISIÓN PARA AFRONTAR ESTO?
Isabel: Uno de los problemas que rondan en el mundo del arte, es cuánto se publica o no, hasta qué punto estás proporcionando toda la información.
No creo que hayamos encontrado un equilibrio, pero tampoco creo que haya una respuesta formulada, depende de cada proyecto. Lo que intentamos en el museo es que ningún post revele toda la exposición, sino que dé pistas para que puedan ver y tener una idea, y les den ganas de venir.
En este caso, queríamos que la obra de Nicole se descubriera de formas no tan convencionales.
Y DENTRO DE ESTA EXPOSICIÓN ¿CUÁL ES LA VISIÓN PARA INCITAR A PERCIBIR LA OBRA DE DISTINTAS MANERAS?
Isabel: Estamos acostumbrados a recorrer los museos como cuerpo y mente solamente, como si no se pudiera sentir desde otros lados.
En “Embalsamada con picante”, queríamos crear un contacto humano con las piezas de Nicole. Por cuestiones logísticas, solo nosotras podemos intercambiar partes del cuerpo. Sin embargo, al final, tu cuerpo está ahí; tienes que recorrer la sala porque no se ve desde un solo ángulo, tienes que agacharte para ver las pequeñas pinturas. Tu presencia física está allí, con tus sentidos presentes.