Durante muchos años, hemos utilizado el lenguaje como una forma de comunicación, pero constantemente buscamos trascender sus límites lingüísticos y visuales, para percibir y expresar mejor nuestro entorno. En este contexto, el artista Alejandro Villa Duran, ha forjado su carrera mediante una exploración gráfica abstracta, con el propósito de ir más allá de las convenciones y expandir su consciencia sobre la experiencia humana.
Alejandro Villa Duran se ha dedicado a la exploración artística, desde textiles, hasta la pintura y la escultura, desafiando las restricciones tradicionales y adentrándose en el terreno de lo abstracto. A través de su obra, busca transmitir emociones y conceptos más allá de las palabras, sumergiendo al espectador, en un mundo de formas y colores que despiertan la imaginación y la reflexión.
SABEMOS QUE TU TRAYECTORIA INICIÓ ESTUDIANDO TEXTIL ¿CUÁL FUE EL MOTOR O LA RAZÓN POR LA QUE DECIDISTE CAMBIAR TU EXPRESIÓN AL MUNDO DEL ARTE?
La razón principal por la que decidí cambiar mi enfoque hacia el mundo del arte fue mi innata creatividad, y la curiosidad que siempre tuve por explorar las artes y el diseño. Estudié textiles en Central Saint Martins (CSM). Aquí, mis creaciones tomaron un enfoque sentimental y emocional, reflejando mis preocupaciones y experiencias personales.
Al graduarme, comprendí que mi verdadera pasión era el arte en sí, y decidí embarcarme en una maestría en escultura. A lo largo de este proceso, también descubrí mi amor por la pintura, fusionando ambas formas de expresión artística en mis trabajos. Ahora, mis esculturas y pinturas reflejan mi identidad y emociones, convirtiéndose en objetos valiosos con significados profundos más allá de la moda o el diseño.
¿CÓMO HA INFLUIDO ESTA EVOLUCIÓN EN TU IDENTIDAD ARTÍSTICA Y EN LA FORMA EN QUE TE CONECTAS CON TUS OBRAS?
La evolución de mis conocimientos textiles, desde mis estudios hasta mi práctica actual, ha sido un viaje enriquecedor y revelador. Durante CSM me especialicé en impresión, donde aprendí a traducir mis dibujos en serigrafía.
Sin embargo, encontré que la pantalla de serigrafía se convirtió en un obstáculo para mi expresión artística, ya que implicaba muchos procesos y limitaba mi libertad creativa.
Por un tiempo dejé de utilizar la pantalla de serigrafía y comencé a pintar directamente sobre la tela. Esta elección me permitió sentirme mucho más libre y experimentar con el trazo y el movimiento en mis creaciones. Descubrí que necesitaba algo más expresivo que la serigrafía y terminé pintando.
SUELES IR A ESPACIOS SILENCIOSOS PARA CONSTRUIR TU OBRA ¿QUÉ PRÁCTICAS TE MANTIENEN CONSCIENTE DE TU CUERPO ADEMÁS DE ESTO?
Tengo una relación muy cambiante con mi práctica, y encuentro que es fundamental buscar momentos para alejarme de la cotidianidad. Para ello, busco espacios tranquilos en la montaña o en la playa, donde pueda cargarme de cierta frecuencia diferente. Cuando pinto, lo hago de una manera muy espontánea y libre, sin referencias previas. Tomo los colores y los pinceles, y
simplemente dejo que mi intuición me guíe en el lienzo.
Lo interesante, es que he notado que gran parte de lo que plasmo en mis pinturas son historias y memorias que mi cuerpo ha estado almacenando a lo largo del tiempo. Convirtiendo el lienzo en una especie de postal que revela estas emociones y recuerdos, en una relación muy parecida a cómo funcionan los traumas. Es un proceso en el que mi cuerpo, los pinceles y el lienzo se unen para
manifestar estas memorias, conocimientos y postal manifestado. Por esta razón, encuentro crucial salir de la rutina y experimentar cambios en mi vida, para que mi pintura refleje estas diferentes etapas emocionales. La naturaleza estacional de mi obra es evidente en el uso de la luz y las marcas en mis cuadros. Algunos tienen pinceladas suaves, mientras que otros son más agresivos. Hay pinturas que reflejan la oscuridad y luego emergen hacia la luz.
En esencia, mi pintura es más una expresión emocional que intelectual. Brota desde lo más profundo de mí y se convierte en un lenguaje pictórico, un vocabulario visual donde las figuras no son protagonistas; son los colores y las texturas los que hablan por sí mismos.
¿CREES QUE TU PRÁCTICA ES LO QUE TE MANTIENE CONSCIENTE?
Estar todos los días, a todas horas en el estudio, no funcionaba para mí. Sentía la necesidad de experimentar y somatizar realmente mis vivencias. Mi cuerpo tenía que experimentar ciertas cosas, así que me involucré en diversas prácticas de contemplación y meditación durante un tiempo, para luego aplicarlas en mi trabajo. Recuerdo que una vez quise crear una pieza para Nordenhake, así que organicé un retiro con mis amigos en un rancho en Sayula, Jalisco. Les propuse estar allí durante 10 días, de los cuales 5 estaríamos en total silencio, sin tecnología, para que cada uno creará una pieza en solitud, con intuición, donde pudiéramos vaciar la cabeza y al final compartimos los resultados entre nosotros. Fue una experiencia hermosa, ya que en estos tiempos es raro permitirnos apagar nuestros teléfonos por unos días, ¿verdad? El teléfono se ha vuelto como un órgano más para muchos de nosotros.
Mi práctica ha estado cambiando, ya no habito estos espacios silenciosos con tanta normalidad. Utilizo la pintura como mi meditación, es mi tiempo más especial cuando estoy en la ciudad y me ayuda a sentirme enraizado, además de entenderme mejor a mí mismo. Quiero que las personas vean esto, que para comprenderme mejor deben observar mis pinturas.
HABLANDO DE LA SERIE QUE TIENES EN LLANO SOBRE LAS SIRENAS, ¿QUÉ FUE LO QUE TE ATRAJO A ELLAS?
Para mí, el lenguaje es un espectro que va más allá de las palabras y las letras. Siempre ha sido importante para mí poder comunicarme de una manera que trascienda esas formas convencionales de expresión. En mi pintura, busco crear un nuevo lenguaje que permita a quienes experimentan mis obras, sentir una comunicación más allá de la figura y la forma. Me encanta invitar a mis amigos a mi estudio para que vean mis pinturas y me cuenten qué sienten al observarlas.
Un día, una amiga llamada Francesca le dio nombre a mis pinturas, interpretando lo que cada una de ellas representaba para ella. Ella creyó que eran colas de sirena, que revelaban lo interior. Cuando nombro mis pinturas, siento que les doy vida para que otros puedan verlas y y experimentarlas. En este sentido, mi trabajo no fue un estudio exhaustivo sobre las sirenas, sino una exploración de la comunicación más allá de las palabras.
¿CUÁLES FUERON LOS MISTERIOS QUE DESCUBRISTE TRABAJANDO ESTA SERIE?
Trabajando en esta serie, descubrí misterios en torno a una nueva técnica que exploré. Lo hermoso de este proceso es que todo se basa en la intuición y la suerte. Lo que hago es pintar una imagen en el lienzo y luego aplico una capa de color plateado sobre ella. Después, comienzo a arrancar pedazos de la capa superior para revelar lo que está debajo. Es como esconder y descubrir, permitiéndome ver lo que hay detrás, de una manera completamente diferente. Esa es la esencia de esta serie, y siento que seguiré trabajando en esta técnica por un tiempo más. Descubrir los resultados y los matices ocultos en cada obra, es lo que me fascina y motiva a seguir adelante con este enfoque creativo.
¿CUÁL HA SIDO TU RELACIÓN CON EL COLOR A LO LARGO DE TU PRÁCTICA?
Todo comenzó con un sueño muy especial, en el que me encontraba volando en el espacio y me reunía con seres o espíritus que se comunicaban conmigo a través de colores. Lo fascinante es que mi mente podía comprender toda la gama de información que esos colores transmitían. No se trataba simplemente de colores como rojo o azul, sino que cada color tenía un mundo de significados y simbolismos. Fue en ese momento cuando comprendí que debía seguir explorando este tipo de pintura que actualmente estoy creando, pues siento que encierra un universo de misterios y magia que quiero compartir a través de mi arte.
¿POR QUÉ DECIDISTE UTILIZAR EL COLOR PLATEADO COMO EL PRINCIPAL AGENTE EN TU PINTURA?
El color plateado se convirtió en el principal agente en esta serie, debido a una experiencia muy intuitiva y espontánea. Recuerdo que mientras pintaba en mi estudio, estaba lidiando con una mala composición y el flujo creativo simplemente no estaba funcionando durante varios meses. En ese momento, decidí dejar una pintura de óleo que tenía muchas capas, sintiendo que no había mucho más que hacer con ella. Sin embargo, todo cambió cuando fui a comprar materiales y me llamó la atención un aerosol de cromo. Aunque nunca antes lo había utilizado, decidí llevármelo a casa e intentar usarlo en mi obra. Cuando comencé a rociarlo sobre la pintura de óleo, me sorprendió gratamente el resultado. La forma en que reflejaba la luz y la textura que creaba, fue simplemente impresionante. Fue una sorpresa total, ya que nada estaba planeado previamente.
El color plateado se convirtió en el elemento central de la serie, porque esa experiencia espontánea y mágica me cautivó por completo. No fue una elección premeditada de hacer cosas plateadas, sino que el color en sí mismo, me atrajo en ese momento y funcionó de manera increíble en mi arte. Fue una conexión intuitiva con el material, y la forma en que interactuaba con mi obra, lo que lo convirtió en el protagonista principal de la serie.
¿CÓMO CREES QUE HAS DESARROLLADO Y REFINADO ESTA INTUICIÓN ARTÍSTICA QUE TE GUÍA EN TU PROCESO DE PINTURA?
Mi metodología artística se basa en no juzgar mis pinturas como buenas o malas durante su creación, sino en buscar un equilibrio emocional. Cuando alcanzo ese balance, algo mágico sucede, y la obra cobra vida de forma natural. He aprendido a confiar en mi intuición y permitir que las cosas fluyan sin forzarlas. Cuando inicio una pintura, me entrego completamente al proceso, y ya no la modifico después de terminarla. La experiencia y la práctica me han enseñado a confiar en mis decisiones creativas instintivas, y a dejar que mi voz artística se desarrolle orgánicamente. Refinar mi intuición ha sido un viaje emocionante, que me ha enseñado a confiar en mí mismo, y a abrazar la incertidumbre creativa sin restricciones.
HAS TENIDO PRÁCTICAS PARA MEJORAR TU HABILIDAD PARA ESCUCHARTE Y GANAR ESTA SEGURIDAD?
Para mí, todo se trata de composición e intuición. En el momento más presente, siento que comienzo a crear estos mapas mentales donde la pintura parece hablarme y guiarme. Es un proceso bastante peculiar, pero todo ocurre en el momento, de forma muy presente. Es necesario escucharme con mucha atención, ya que, si estoy distraído, el proceso no funciona de manera óptima.
¿CÓMO LOGRAS MANTENER TU ENFOQUE Y PRESENCIA MIENTRAS PINTAS? Y ¿DE QUÉ MANERA ESTA PRÁCTICA INFLUYE EN EL RESULTADO DE TU ARTE?
Mi impulso para estar presente es, seguir una rutina matutina que me ayuda a preparar mi mente para el día. Me levanto por la mañana, bebo agua y fumo un tabaco, y luego me pongo a pintar. Descubrí que las mañanas, cuando mi mente está más fresca, son los momentos en los que puedo dar lo mejor de mí al arte. Al comenzar el día con la pintura, encuentro que tengo menos distracciones y mi mente está más clara, lo que me permite evitar dudas y cuestionamientos que podrían interferir con mi proceso creativo.
Siempre he sido de la opinión de mantener un enfoque lúdico en lo que hago, y evito sobrecargar mis pinturas con significados preconcebidos. Mi objetivo es que las personas sientan algo al contemplar mis obras, al igual que yo siento cuando veo las pinturas de mis artistas favoritos; Helen Frankenthaler, Gerhard Richter, Cy Twombly, algo que puramente hace vibrar mi cuerpo.
¿CUÁL HA SIDO EL MOTOR PARA SEGUIR REPRESENTANDO EN FORMAS ABSTRACTAS ESTAS VISUALIZACIONES?
Mi motor para explorar estas formas abstractas radica en mi profundo amor y fascinación por la pintura abstracta. No hay nada que adore más que esta expresión artística, ya que tiene la capacidad de desafiar a quienes quieren comprenderla de manera convencional. Alejarme de las formas y símbolos tradicionales me permite crear una resistencia contra el consumismo y la superficialidad que a menudo experimentamos en nuestra vida diaria.
La belleza de la abstracción para mí radica en su libertad de significados concretos. En un mundo donde todo parece tener una explicación y un propósito, la abstracción se convierte en una forma de liberación, donde lo importante es simplemente ser y existir tal como es. Es una manera de rebelarse contra las expectativas y normas impuestas por la sociedad.
Para mí, la pintura abstracta es más que solo crear imágenes; es un acto de creación de consciencia. Cada obra que creo es como un conocimiento que toma forma en el universo, y es algo que deseo compartir con los demás.