En mi nueva serie, donde estoy explorando cerámica, piedra y fibra de vidrio. Me emociona trabajar con materiales que permiten formas más orgánicas y que, de cierta manera, tienen su propia voz. Cada uno me reta de una forma distinta y eso es lo que más disfruto: encontrar cómo traducir emociones a materia.

Siempre parte de conversaciones internas. Es un proceso similar a terapia: escribo, reflexiono, y poco a poco voy extrayendo fragmentos de diferentes momentos de mi vida a través de mis journals. A partir de ahí, empiezo a jugar con emociones y formas.
A veces surgen de pensamientos cotidianos, otras de ideas más profundas, pero siempre nacen de la curiosidad de seguir creciendo y entendiéndome a mí misma.

En arquitectura, algunos dicen que la función guía la forma y otros que la forma guía la función. Creo que mi proceso creativo sigue un juego similar. A veces, la emoción dicta la forma, otras veces, es la forma la que despierta una emoción. No tengo una regla fija, pero ese diálogo es el punto de partida de todas mis obras.

El tiempo me ha enseñado a aceptar la transformación como parte esencial del proceso creativo. Antes sentía que debía aferrarme a una idea inicial, pero ahora entiendo que las piezas evolucionan, al igual que yo. Cada obra es un reflejo de un momento específico, de una emoción que existió en ese instante, pero también es un testimonio de cambio. Mis materiales han cambiado, mis formas también, y lo seguirán haciendo. Pero creo que ahí está la belleza: en permitir que el arte crezca conmigo.

El proyecto que más está ocupando mi energía en este momento es mi tesis de doctorado. Estoy haciendo un doctorado en Estudios de Performance en Tisch School of the Arts de la New York University. La tesis se titula “Insistent Dislocations: Choreographic Experiments in Mexico” (Dislocaciones Insistentes: Experimentos Coreográficos en México). Es un estudio de prácticas coreográficas experimentales que ocurren en México y que crean alternativas de ser, crear, y estar en el mundo. El proyecto piensa la coreografía y la danza de manera expandida, pensándolos no solo como disciplinas sino como maneras de pensar, actuar y relacionarse con el mundo. Mi práctica coreográfica y de danza se filtra constante, insistente e inevitablemente mientras escribo la tesis, y me aleja del tiempo de escritura más no de pensar sobre el proyecto. Para la tesis, el hecho de que soy coreógrafa y bailarina con una práctica activa es importante teóricamente, ya que uno de los objetivos del proyecto y de mi práctica es explorar la figura de la bailarina como figura filosófica y creadora de conocimiento. Además de la tesis, estoy compartiendo un cortometraje que hice como directora y coreógrafa llamado “Ahínco.” También estoy en las primeras exploraciones de una pieza de performance llamada “Como agua en agua” donde exploro la memoria coreográfica y las historias de los cuerpos de las bailarinas. 

Después de muchos años de voltear a ver hacia afuera de la danza, ahora me está llamando mucho el mirar hacia atrás y hacia adentro, pero con otra perspectiva. Últimamente pienso mucho en la bailarina como una figura filosófica y auto referencial. Me interesa mucho estudiar, experimentar y distorsionar las ideas, conceptos, y hábitos que existen dentro de la danza misma y de la figura del bailarín. Fuera de esa obsesión, soy una persona muy curiosa y a mi coreografía la permean muchas cosas, desde los gestos de la gente en la calle, la manera en que un extraño camina, la organización aleatoria de objetos en el espacio, hasta el cine, la literatura, y la pintura. 

El cuerpo es un archivo poderoso. Ahí almacenamos conocimiento, memorias, y regulamos nuestra relación y experiencia con el mundo. Una de mis obsesiones recientes es la relación de la figura de la bailarina con su memoria corporal y coreográfica. En “Como agua en agua” busco investigar eso, me pregunto ¿cuántas coreografías hemos aprendido en nuestras vidas, tanto de danza como de gestos cotidianos, y cómo afectan nuestra relación con el mundo? Pienso que el bailarín es una figura con mucha potencia creativa y política en gran parte por cómo funciona su memoria coreográfica y experiencia propioceptiva del mundo. Yo pienso en la figura de la bailarina también de manera expandida, chiclosa y permeable. Para mi quién sea que tiene una relación de devoción con la danza es una bailarina. Hoy el discurso en el arte contemporáneo y la academia centra mucho al cuerpo más siempre ignora la perspectiva del bailarín. Yo creo que la bailarina es la figura filosófica que mejor puede teorizar al cuerpo ya que lo entiende de una manera práctica. Hoy en día los profesionistas del cuerpo siguen estando relegados a un lugar secundario y marginal, ya que no se considera el conocimiento corporal como conocimiento con valor intelectual. 

El tiempo y el cambio están presentes de maneras muy potentes en la danza. Los cuerpos cambian con el tiempo y por ende nuestra manera de movernos, bailar, y coreografiar cambia. La danza está siempre sujeta al cuerpo y a sus cambios. Yo no me muevo igual que el año pasado, ni cuando era adolescente y estudiaba ballet. Como bailarina siempre estoy en un lugar entre aceptar y entender el cuerpo tengo ahora (¿cómo se mueve, cómo aprende, cómo baila?) y buscar la transformación de ese cuerpo por medio del entrenamiento especializado y permanente que mantiene a nuestra mayor herramienta bien aceitada y disponible para trabajar. El cambio y el tiempo también me han llevado a pensar la danza en otros medios y formatos como el video y la escritura, mis cortometrajes y estudios de doctorado son fundamentales para seguirme preguntando no tanto ¿qué es la coreografía?, sino ¿qué hace la coreografía? ¿cómo me entiendo al mundo desde la coreografía? 

Dirijo mi energía hacia múltiples proyectos, explorando la intersección entre la luz, oscuridad espacio y moción. En mi estudio trabajamos en la creación de luminarias y proyectos de iluminación para hoteles, tiendas, casas, bares y performances, generando atmósferas que trascienden lo meramente estético para convertirse en narrativas visuales y sensoriales. Actualmente el proyecto en el que estoy más enfocada es una colaboración con la talentosa artista mexicana Debit, en el performance titulado Sequedad sobrenaturalizada. Este proyecto reimagina las tradiciones monásticas de las Carmelitas Descalzas a través del concepto de la “sequedad naturalizada”, explorando la aridez como símbolo de tránsito y transformación en la oscuridad. La iluminación, en conjunto con la sonorización y la creación musical de Debit, busca sumergirnos en un viaje visceral, evocando el sufrimiento y la resiliencia de mujeres que, en distintos momentos de la historia, han enfrentado la opresión con inteligencia, arte y resistencia espiritual. Muchas de ellas fueron perseguidas y asesinadas durante la Inquisición, mientras que otras, como Sor Juana Inés de la Cruz y Santa Teresa de Ávila, desafiaron las normas establecidas con sus palabras, su pensamiento y su legado. A través de esta obra, nos preguntamos si estas mujeres realmente eran prisioneras de su condición monástica o si, por el contrario, encontraron en su reclusión una forma de verdadera libertad. Para materializar este proyecto, el proceso comienza en el diálogo y la exploración conceptual. Converso con Debit, comprendo su investigación, su visión y los elementos históricos y filosóficos que sustentan la obra. Mi papel es traducir toda esta carga simbólica en luz, creando una atmósfera que no solo ilumine, sino que conmueva. Cada fuente de luz está pensada para generar una respuesta emocional, creando sombras, destellos, penumbras y transiciones que envuelven al espectador. Para mí, la emoción es el eje central de toda manifestación artística. Antes que la imagen y antes que la palabra, está la sensación, la respuesta visceral que nos atraviesa sin necesidad de explicación. Si el arte no se siente, si no nos provoca, si no nos confronta, ¿para qué existe?

A mí lo que me inspira, lo que siempre ha encendido mi creatividad, son mis emociones en su estado más puro: lo carnal, lo visceral, lo que se siente antes de poder ser nombrado. Hay elementos externos que, por supuesto, influyen en mi proceso, referencias que me atraviesan y me moldean. Pero si profundizo en lo que realmente ilumina mi creatividad, descubro que es la sombra. Mi búsqueda creativa no parte de la luz evidente, sino de la penumbra que la antecede, de los rincones oscuros que, en su profundidad, revelan verdades más auténticas. Explorar esos espacios de incertidumbre es enfrentarse a geografías nocturnas ocultas, territorios que pueden dar miedo, pero que contienen una verdad esencial. Para mí, el arte no es solo una manifestación externa, sino una travesía interna hacia esos lugares que preferimos no mirar, pero que son parte de lo que somos. Muchas veces, en esos territorios, no hay respuestas. No hay necesidad de entender con la mente lo que solo puede sentirse con el cuerpo y el alma. No se trata de racionalizar, sino de habitar la sombra, de sumergirse en ella sin miedo y abrazarla con totalidad. Es ahí, en la intimidad de la
oscuridad, donde encuentro la materia prima de mi creación. Lo que yace en lo más profundo de mi ser—ese cúmulo de sensaciones, de memorias, de
instintos—es lo que me impulsa a crear. Expresarlo, darle forma, materializarlo en luz, en espacio, en atmósfera, es mi manera de hacer tangible lo intangible, de compartir lo que muchas veces solo puede ser sentido. Para mí, la sombra no es ausencia, es origen, es posibilidad, es el punto de partida de todo lo que me inspira.

Un ejemplo claro de cómo la memoria se transforma en luz es la colección Yacaman, mi
primera serie de luminarias. Este proyecto nació del duelo, del amor y de la necesidad de
convertir la ausencia en algo tangible, algo que pudiera tocarse, sentirse. Es un homenaje a mi
padre, un hombre de ciencia, un médico brillante que entendía la luz como herramienta de
sanación. Cuando era niña, solía visitarlo en su consultorio. Recuerdo aquellas enormes lámparas metálicas suspendidas en el aire, frías, precisas, como ojos que todo lo veían. Su luz era quirúrgica,
descendía con exactitud sobre la herida abierta del paciente, revelando carne, hueso, sangre,
dolor. Pero también revelaba esperanza, la posibilidad de restaurar, de reconstruir, de sanar.
Con el tiempo, entendí que esas luminarias no eran solo máquinas, sino símbolos. La luz que mi
padre dirigía hacia el cuerpo enfermo para curarlo se convirtió, en mi memoria, en una metáfora
de la luz que yo misma necesitaba para darle forma a mi arte. Ahora, esas lámparas ya no
cuelgan de un techo blanco de hospital, sino que renacen en mi obra como esculturas de luz,
como faros que iluminan el espacio y, al mismo tiempo, el recuerdo. La colección Yacaman es mi forma de mantener viva su presencia. La luz no muere, solo cambia de dirección. Y así, en cada una de estas piezas, él sigue brillando, en mi, infinito.

Es aterrador, pero a la vez reconfortante, comprender la impermanencia de las cosas. Aceptar que todo en este mundo es transitorio—la vida, la muerte, nuestras emociones, nuestras certezas—me ha llevado a una profunda introspección. He aprendido que la existencia es cíclica, que nada permanece inmutable, y que, paradójicamente, en esa efimeridad radica una especie de verdad. Todo lo que conocemos se transforma, se diluye y renace en nuevas formas. Y, sin embargo, hay algo que se mantiene firme: la esencia de ser unx mismx. En mi camino, han sido muchos los años de lucha interna y externa para aceptar quién soy. Crecer y existir como persona de la comunidad LGTB+ en una sociedad profundamente heteropatriarcal ha sido un desafío constante. He tenido que enfrentarme a una estructura rígida y violenta que busca encasillar, normar y excluir. Pero, a pesar de todo, he resistido. Fundar mi propio estudio ha sido un acto de rebeldía y de afirmación, un espacio en el que puedo expresarme libremente en un mundo profesional dominado por hombres heteronormados. En este entorno, mi existencia misma es un acto de disrupción, de resistencia. Por eso, mi arte no busca encajar ni complacer; mi arte es un grito, una ruptura, una sombra que desafía la luz establecida. Me han dicho que es diferente, que es oscuro, que se sale de lo convencional. Y es cierto. Porque para mí, las normas están hechas para ser cuestionadas, para ser rotas si es necesario. El arte, al igual que la vida, no puede ser estático. Debe ser una fuerza en movimiento, una
herramienta de cambio, una manifestación de lo que somos y de lo que nos negamos a ser. Y en
esta lucha, en esta eterna confrontación con lo establecido, encuentro mi verdad.