El fortuito encuentro entre Hanya Beliá y Matias Armendaris detonó en una notable fusión artística que no ha hecho más que sumar, e incluso acentuar su diversidad individual; todo bajo el universo artístico de ASMA. En su trabajo colectivo, destaca ese interés compartido en la unión de opuestos, a través de la exploración de identidades híbridas, las figuras alegóricas y la multiplicidad.
El perfil artístico de asma cuestiona y es retador, pues surge como resultado de un origen y proceso creativo, donde el pasado, presente y futuro se encuentran, siempre en un contexto propio y contemporáneo. Con una incesante investigación alrededor del lenguaje mitológico y literario, aunado a la curiosidad material, se han hecho dueños de una narrativa artística que generalmente a través de la pintura y la escultura, logra examinar discursos sobre identidad y pertenencia.
¿QUÉ FUNDAMENTOS LOS UNIERON INICIALMENTE PARA CREAR ESTE DÚO ARTÍSTICO?
Inicialmente nos acercamos al trabajo del otro, a partir de congeniar con ideas sobre hibridación y contaminación. Al compartir estudio, empezamos a permitir que la influencia de nuestro trabajo individual permee el trabajo del otro y eso orgánicamente evolucionó en la construcción de Asma.
ACTUALMENTE, ¿CUÁLES CONSIDERAN SUS PRINCIPALES REFLEXIONES E INTERESES COMPARTIDOS EN TORNO AL ARTE?
Actualmente estamos pensado mucho en el deseo, la manera en la que rige la construcción imaginaria del yo, y el romance que existe en los anhelos no consumados. También en colapsos temporales que mezclan nociones de futurabilidad posthumanista, junto a un regresionismo nostálgico; de ahí nuestro interés en el contraste que existe entre un contexto de producción artística actual con profesionalismo y discurso, versus una producción artística moderna donde la figura del artista se construye a base de auto-mitologías. Hemos revisitado recientemente la obra de artistas de inicio de siglo como Odilon Redon, Franz Von Stuck, Spilliaert, Munch, Kubin y Bellmer que para nosotros ejemplifican en su angustia existencial, el romanticismo propio del artista del pasado.
¿QUÉ PAPEL JUEGA LA SIGNIFICACIÓN Y DETERMINACIÓN DEL ESPACIO PARA SU PRÁCTICA ARTÍSTICA?
Consideramos siempre el espacio y el ambiente; tal vez demasiado. La consideración del espacio es un síntoma de ideologías sobre la correlación, entonces nuestras decisiones formales, tratan de atender la experiencia y la coexistencia del observador en el espacio. Las piezas presentan normalmente alguna narrativa que puede estar o no vinculada a su lugar de exhibición, pero formalmente están pensadas en relación a él; el espacio es nuestro protagonista silencioso.
HAN EXPLORADO DIVERSOS FORMATOS EN EL ARTE PERO, ¿TIENEN ALGÚN FORMATO FAVORITO O QUE CREAN QUE FAVORECE LAS NARRATIVAS QUE EXPLORAN?
Uno de los planteamientos que nos hicimos al inicio de nuestra colaboración, fue empezar a explorar medios que ninguno de los dos conocía o dominaba, con el fin de encontrar nuevos lenguajes visuales, que no compartieran mucho con nuestras prácticas individuales. Esto nos llevó a aprender muchas formas incorrectas de empujar ciertas técnicas y materialidades, todavía encontramos esta forma de crear muy útil en el proceso de descubrir nuevos accidentes para incorporar; sin embargo, en los últimos tres años, hemos mantenido una exploración escultórico-pictórica con el silicón, sus cualidades nos permiten generar confusiones formales, haciendo que emule otros materiales. Nos parece interesante como el silicón es un material de nuestro presente, que evoca una idea de futuro, y que por medio del trompe l’oeil puede incorporar una sensación de pasado.
¿EXISTE ALGUNA RELACIÓN O INCLUSO INFLUENCIA ENTRE LA REFLEXIÓN QUE BUSCAN HACER EN UN PROYECTO Y LOS MATERIALES QUE UTILIZAN PARA HACERLO?
Normalmente nuestros proyectos construyen un universo insular, donde una narrativa contextualiza la materialidad y la simbología del mismo. Pensamos mucho en la semiótica material de cada objeto, y de algún modo la selección de materiales compone ciertas tensiones y sugestiones, para acercarte a una sensación o una idea.
¿QUÉ VALOR CREEN QUE TIENE LA EXPERIENCIA/HISTORIA PERSONAL EN LA PERCEPCIÓN DE SUS OBRAS?
El mundo real y nuestras experiencias, constantemente encuentran la forma de filtrarse en el trabajo, agregando capas de significado personal y afectivo, que muchas veces no exponemos con literalidad, pero inyectan todo lo que hacemos. Nos interesa mucho pensar en la experiencia, aunque se torne todo muy simbólico y metafórico durante el proceso de acumulación y traducción entre nosotros, al final las experiencias expanden su significado y trascienden lo personal.
¿CUÁLES SON LOS ELEMENTOS CLAVE Y HASTA LOS RETOS EN EL PROCESO DE BUSCAR RESIGNIFICAR OBJETOS COTIDIANOS CON LOS QUE TRABAJAN EN SUS PIEZAS?
Nos gusta mucho hacer cosas con nuestras manos, por lo tanto somos muy medidos en la forma en la que insertamos objetos reales dentro de la obra. Nos interesa la literatura y la poesía, y vemos esa aproximación con el mundo ‘real’ más como un ejercicio de escritura, donde se pueden componer diferentes agrupaciones de significantes. También es una oportunidad para incluir una noción de tiempo dentro del trabajo, ya que los objetos guardan una historia en su aspecto y permiten hacer guiños a ciertos momentos culturales con referencias a contextos generacionales.
¿DE QUÉ FORMA CREEN QUE EL ARTE LES HA AYUDADO A ENCONTRAR EL BALANCE IDÓNEO DE EXPRESIÓN ENTRE LO REAL Y LO IMAGINARIO?
No creemos que exista un balance idóneo realmente, pero claramente la expresión creativa es un proceso de traducción, que normalmente para cada persona sirve como mediador entre el espacio mental o imaginario y el mundo exterior. En nuestro caso no es diferente y solo prestamos atención a esta interrelación.
¿CUÁLES CONSIDERAN COMO LAS PIEZAS CLAVE EN SU PROCESO CREATIVO PARA QUE EL RESULTADO E IMPACTO DEL TRABAJO COLABORATIVO QUE REALIZAN, SEA EL ADECUADO?
La comunicación y el ejercitar nuestra capacidad de traducción es vital en nuestro proceso colaborativo, ya que somos dos universos mentales en constante contacto, y ese proceso dialéctico es lo que permite que lleguemos a construir en conjunto. También liberarse de uno mismo es muy gratificante y el tener un tercer ente que nos representa a los dos, nos permite abarcar y expandir nuestros intereses individuales.
¿QUÉ CONCEPTOS DESCRIBIRÍAN EL MUNDO E IMAGINARIO QUE COMPARTEN ENTRE USTEDES, ESOS QUE HAN DADO FORMA Y SUSTENTO A ASMA?
Creo que algunos de estos conceptos son los mismos que nos hicieron empezar a trabajar juntos, como los conceptos de hibridación y contaminación, sin embargo, hay varias capas dentro de nuestros intereses, algunos atienden nuestra curiosidad sobre la psicología, otros sobre literatura y mitología, y a veces sobre género e identidad. Sin embargo, también nos interesa trabajar con conceptos más poéticos y metafóricos, que puedan residir dentro de los arquetipos figurativos, de los motivos clásicos que habitan nuestras narrativas. En grandes rasgos, Asma se nutre de un proceso de infusión dialéctica, como una introspección compartida.