Su arte existe ahí, donde lo terrenal es capaz de encontrarse armoniosamente con un plano más espiritual y místico; materializado a través de imágenes que celebran la vulnerabilidad del pigmento y engrandecen esos rasgos de mutabilidad en la pintura.
Loren Erdrich se ha hecho dueña de una particular práctica artística, que incluso desde el proceso creativo derroca la rigidez y reta los límites conceptuales entre el mundo terrenal tangible y el interior inmaterial. De sus obras emergen peculiares formas y figuras, gracias a un distintivo uso de textiles que reaccionan ante técnicas de teñido; creando una atmósfera llena de alegorías y magia.
Siempre abierta al cambio y a abrazar lo desconocido, su expresión se ve constantemente influenciada por la naturaleza de lo impredecible, para buscar ese equilibrio que se descubre en cada cuadro que pinta.
INICIALMENTE, ¿QUÉ TE LLEVÓ PERSONAL Y EMOCIONALMENTE A ACERCARTE AL ARTE?
Desde que era niña, me ha interesado crear arte. El arte tiene la capacidad de expresar una realidad más allá de lo simplemente visible, y eso siempre ha sido importante para mí. A lo largo de mi vida, la realidad física que me rodeaba no siempre coincidía con la realidad emocional o psicológica dentro de mí. Es decir, no se reflejaban necesariamente entre sí. Así que el arte fue una forma de ayudar a corregir eso, de armonizar lo emocional, físico, psicológico y espiritual.
¿QUÉ SENSACIONES SON LAS QUE MÁS TE APASIONA EXPLORAR A TRAVÉS DE LA PINTURA?
Amo los aspectos táctiles de mi proceso de pintura: la suave flexibilidad de la tela, el flujo físico del medio, los movimientos suaves y agresivos de mis pinceles. Me encanta agacharme sobre mis pinturas para que todo mi campo de visión se llene con la obra. Disfruto enfocar y luego disolver o desdibujar formas. Me encanta ensuciarme. Amo las pinturas lentas, aquellas que te recompensan por quedarte con ellas, acercarte para que surjan nuevos detalles.
¿CUÁLES PODRÍAS CONSIDERAR COMO LAS CLAVES DE UN BUEN EQUILIBRIO, ENTRE LA REFERENCIA A UN MUNDO TERRENAL Y EL ESPIRITUAL EN TU ARTE?
Nunca busqué hacer obras espirituales ni uso imágenes necesariamente espirituales, pero la gente ha llamado constantemente a mi trabajo espiritual. En mi opinión, la espiritualidad está presente en mi proceso y, por lo tanto, se refleja en las pinturas resultantes. Mi estilo y medio de pintura particular requieren soltar, confiar y estar dispuesto a actuar y dejar ir los resultados, lo cual considero inherentemente espiritual. Pero creo que la mayoría de las veces cuando la gente llama a mi trabajo espiritual, se refiere al hecho de que siempre referencio capas de realidad más allá de lo que se ve. Los elementos terrenales en mi trabajo sirven como puntos de anclaje. Las formas y figuras reconocibles proporcionan una estructura necesaria, pero la verdadera conversación en mi obra se encuentra en cómo esas formas y figuras colapsan y se recuperan repetidamente dentro de la pintura, fusionándose con el entorno que los rodea.
MÁS ALLÁ DE LO TÉCNICO, ¿QUÉ PRINCIPIOS CONSIDERAS INSPIRADORES E INCLUSO INDISPENSABLES COMO PARTE DE TU PROCESO CREATIVO?
Valoro mucho la experimentación y la voluntad de fallar. Cuando tengo miedo y no estoy dispuesto a fracasar, me limito a lo que ya conozco, y si me limito a lo que ya sé, no crezco. Uno de mis trabajos como artista es dejar espacio en mi práctica para que algo inesperado y mágico suceda. Es importante para mí que mi proceso evolucione continuamente y no dependa en gran medida de una fórmula. Tengo mis propios mecanismos para evitar que mi trabajo se vuelva rígido, pero también confío en mi intuición. Sé cuándo necesito crecer.
EL AGUA PARECE SER UN CONCEPTO FUNDAMENTAL EN TU TRABAJO, ¿QUÉ VALOR CONCEPTUAL Y ESTIMULANTE HAY EN ELLA PARA TI?
Siempre me ha atraído el agua y sus aparentes contradicciones: su fuerza y a la vez su flexibilidad, su capacidad para generar y disolver, su suavidad y ternura a la vez que su fuerza aterradora. Me encanta que el agua posea todas estas cualidades a la vez. Me gusta cómo ignora los límites, se infiltra, se desborda, se filtra y se escapa, y creo que estas características son especialmente importantes en mi obra.
¿DE QUÉ FORMA INFLUYE EN TU ARTE LA NATURALEZA DEL O LOS MATERIALES CON LOS QUE TRABAJAS?
Mi práctica es una colaboración deliberada y abierta con mis materiales. Es intuitiva, no lineal y abierta, dejando espacio para que ocurran cosas inesperadas. Encuentro que mi técnica ‘húmedo sobre húmedo’ es bastante difícil de controlar y lo abrazo. Mis materiales hacen lo que hacen, y yo hago lo que hago. Es una conversación. Mis pinturas no solo cuentan su historia a través de su apariencia externa, las escenas y entornos representados, sino también a través del proceso y los materiales con los que están hechos.
¿CÓMO LIDIAS CON LAS DETERMINACIONES Y HASTA LIMITACIONES QUE PUEDE TENER UN FORMATO COMO EL DEL LIENZO?
Generalmente pinto en muselina, que es un algodón muy delgado que permite que el color se filtre de un lado a otro. A menudo comienzo pintando sin estirar la tela, con la tela apoyada sobre un paño que ha sido utilizado para pinturas anteriores y está manchado con restos de estas pinturas pasadas. A medida que la nueva tela se humedece durante mi proceso de pintura, también se tiñe con el paño debajo de ella. Puedo pintar en ambos lados de la tela hasta que uno de los lados realmente me llame la atención. En algún momento estiro la pintura y sigo trabajando.
Energéticamente, las pinturas continúan más allá de las limitaciones de los bastidores. El marco físico de la pintura no es un final. Es más bien una forma de enfocar la atención, tanto la mía como la del espectador. Es como mirar a través del visor de una cámara. La pintura resultante estirada dentro del marco, se asemeja a una instantánea, un momento capturado.
UNA DE LAS CARACTERÍSTICAS DE TU OBRA ES EL USO DE COLOR, ¿QUÉ INFLUYE EN ESTA PARTICULAR FORMA DE EXPLORARLO?
La mayoría del color en mi obra proviene de tintes, y dentro del rango de tintes disponibles, encuentro que tengo alrededor de 10 a los que siempre regreso. Pinto en capas, construyendo color a medida que avanzo porque es un proceso aditivo y muy difícil de borrar. El tinte sigue siendo bastante activo durante mi proceso de pintura: cada capa afecta la capa que está encima de ella y los colores se mezclan mientras pinto.
Naturalmente, me siento atraída por los azules y rosas. Las pinturas más azules generalmente están enraizadas en el agua y el aire, y las más rosadas en la tierra y el fuego.
¿CON QUÉ CONCEPTOS TE GUSTARÍA QUE EL ESPECTADOR IDENTIFIQUE A TU OBRA?
Las figuras y formas dentro de mis pinturas, son vulnerables y permeables. Aceptan su capacidad inherente de metamorfosis y rechazan reconocer una separación entre lo externo e interno, entre mundo físico y el celestial. Rechazan la confinación que normalmente resulta de las demarcaciones de diferencia. Su naturaleza fluida los pone directamente en conflicto con una cultura dependiente de fronteras, claramente definidas para mantener el orden, y para quien la permeabilidad y maleabilidad, son temidas como perturbadoras de sistemas y estructuras arraigadas. Mi trabajo ofrece una visión de otro mundo, uno en el que la vulnerabilidad se celebra en lugar de avergonzarse, y la fluidez se abraza por su fuerza y poder de conexión.