UNA LABOR ARTÍSTICA EN CONSTANTE REDEFINICIÓN, LA OBRA DE GUILLERMO GALINDO NO CONOCE LOS LÍMITES, AL CONTRARIO, SU OBJETIVO ESTÁ LEJOS DE LO CONVENCIONAL PARA HALLAR LOS PUNTOS DE ENCUENTRO ENTRE DISCIPLINAS QUE DE ORIGEN PODRÍAN PARECER MUY LEJANAS, Y CREA DISCURSOS DISRUPTIVOS QUE NACEN DE LA FUSIÓN ENTRE ESTAS.
EL TRABAJO DEL ARTISTA MEXICANO NO ES INDIFERENTE ANTE UN MUNDO CADA VEZ MÁS INTERCONECTADO, ASÍ QUE SUS PIEZAS EXPLORAN TAMBIÉN DIVERSAS TEMÁTICAS; DESDE PROBLEMÁTICAS HUMANITARIAS, PASANDO POR LA EXPLORACIÓN DE LA ESPIRITUALIDAD, E INCLUSO TEMAS DE ÍNDOLE POLÍTICA. RECONOCIDO POR SU LABOR EN EL ÁMBITO MÚSICAL, GALINDO NOS ADENTRA EN SU UNIVERSO ELECTRO-ACÚSTICO Y COMPARTE PARTE SU EXPERIENCIA EN LA COMPOSICIÓN, QUE TAMBIÉN SE HA VISTO REFLEJADA EN LA EXPERIMENTACIÓN CON LAS ARTES VISUALES, EL PERFORMANCE Y LA ESCULTURA.
DESDE UN PUNTO VISTA ARTÍSTICO, ¿QUÉ SIGNIFICA PARA TI LA “CREACIÓN”?
En general, la creación se define como la capacidad de generar ideas, conceptos o soluciones originales. Para mí, aparte de esto, es la capacidad de darse permiso y tiempo para experimentar. Crear momentos donde se pueda “jugar” libremente.
Para crear debemos observar las cosas con una mirada imparcial, imaginar y explorar situaciones fuera de lo común. Se tiene que rechazar lo convencional y desafiar límites y el orden de los patrones establecidos.
La creación implica imaginación, intuición, curiosidad y, más que nada, la libertad de tomar riesgos, vencer los miedos y abrir el camino para darle entrada a lo desconocido. El permitirnos sorprendernos a nosotros mismos.
La parte izquierda del cerebro, está comúnmente conectada con la creación, esta es la parte conocida como “inconsciente”. Pensar lógicamente no es lo mismo que usar nuestra intuición. Para crear es importante permitir que la narrativa se desarrolle temporal y espacialmente de una manera similar a las situaciones presentes en nuestros sueños para así, conectar lo aparentemente inconexo.
Según el psicólogo Carl Jung todo lo que aparece en nuestros sueños es una representación de nosotros: La casa, la ventana, el pasto, la taza de café, el perro o la mesa. Cada elemento cuenta la historia desde su punto de vista.
Las artes, a través del simbolismo presente en el inconsciente colectivo, nos brindan la capacidad de expresarnos auténticamente y comunicarnos a un nivel inconsciente e intuitivo con los demás. Por esto, la creatividad tiene la capacidad de inspirar, transformar, replantear y enriquecer nuestras vidas.
¿CREES QUE EXISTEN (O DEBEN DE EXISTIR) LOS LÍMITES EN LA EXPRESIÓN ARTÍSTICA?
Este tema es complejo y suele generar debates intensos. Aunque la libertad artística es valorada y protegida como un derecho fundamental en muchas sociedades, existen consideraciones éticas y restricciones legales que pueden limitar la creatividad, especialmente para los artistas.
Mi convicción es que todo artista debe tener total libertad para crear y expresarse sin censura ni restricciones, siempre y cuando sus obras no inciten a la violencia ni perjudiquen a nadie. Es importante reconocer que existen leyes y regulaciones que rigen la expresión artística, como los derechos de autor, las normas sobre obscenidad y las leyes contra el discurso de odio, las cuales pueden llegar a limitar la libertad de expresión. Navegar por estos límites representa un desafío significativo para cualquier artista que busca la libre expresión.
Algunas sociedades requieren sensibilidad cultural, para evitar la apropiación indebida o representaciones inexactas de otras culturas. Además, el arte puede tener un impacto considerable en la sociedad, por lo que es importante evitar comportamientos perjudiciales o estereotipos culturales.
Esta problemática es cada vez más relevante en las sociedades contemporáneas, en donde la diversidad generada por la constante migración, da lugar a la coexistencia de ideologías, culturas y
religiones divergentes a la establecida.
Algunas personas argumentan que poner límites a la creación artística, implica equilibrar los principios de libertad de expresión con consideraciones éticas, restricciones legales y el posible impacto del arte en la sociedad. Personalmente, reitero mi apoyo a la total libertad de expresión, siempre y cuando sea original, creativa, y no cause daño físico a nadie.
¿CÓMO SURGE ESE PRIMER IMPULSO POR CREAR A PARTIR DE LA EXPERIMENTACIÓN Y LA MEZCLA DE FORMATOS ARTÍSTICOS?
La creación es una necesidad para mí, posiblemente incluso un designio o propósito de por vida. Es una sed constante. La inspiración llega cuando menos la espero, en medio del tráfico, en la cola del supermercado o mientras me ducho.
Encuentro la máxima inspiración durante momentos de transformación. Todo lo que me rodea se convierte en material para crear: mis emociones, relaciones personales, sueños y el significado metafórico de las cosas, son esenciales para mi proceso creativo.
La experimentación es crucial, ya que permite la aleatoriedad y la ambigüedad, dando lugar a elementos diferentes y situaciones inesperadas.
¿CUÁLES SON LAS PARTICULARIDADES DE UN PROCESO DE CREACIÓN COMO EL TUYO, EN DONDE MÚLTIPLES DISCIPLINAS COMO LA MÚSICA, EL PERFORMANCE Y LA ARQUITECTURA SE ENCUENTRAN?
Para mí, las diferentes disciplinas artísticas son como distintos lenguajes de expresión que comparten los mismos principios fundamentales. Mi formación en composición musical, me llevó a aplicar técnicas relacionadas con el sonido y el tiempo en las artes visuales y la creación de objetos tridimensionales. Todo se resume en espacio y tiempo.
La combinación de diferentes disciplinas surge de mi deseo de eliminar cualquier tipo de limitación, tanto en la creación como en mis experiencias personales. Cruzar libremente fronteras físicas y conceptuales, me ayuda a descubrir cosas que de otro modo no habría experimentado. Por eso, quizás me interese más lo desconocido que lo conocido.
Lo que ocurre en nuestra mente cobra forma mágicamente en “gestos”, que al final del proceso creativo, se materializan en nuestra realidad física, en la “realidad tridimensional”; ya sea a través de un trazo de pincel, una secuencia de video, la articulación de una palabra o una melodía, un movimiento corporal específico o la elección deliberada de cualquier material, todas estas acciones representan diferentes formas de expresión, y su diversidad es infinita, cuando se combinan para comunicar y materializar lo que queremos decir.
Aquí viene a la mente la frase del teórico de la comunicación canadiense, Marshall McLuhan: “El medio de comunicación es más importante que el mensaje que se transmite”. La selección, combinación y organización de materiales para expresarnos es infinita. La originalidad, la necesidad de comunicar y la singularidad en la elección, distinguen a un buen artista. Por ello, es esencial tener un concepto claro que vincule todos los diferentes elementos que se desean expresar.
¿CÓMO INFLUYE Y SE RELACIONA LA NATURALEZA DE LOS OBJETOS CON LOS QUE TRABAJAS EN EL RUMBO QUE TOMA TU DISCURSO ARTÍSTICO?
He trabajado mucho con objetos encontrados. Creo que nuestros objetos personales, tanto su apariencia como su sonido, están relacionados con el poder de la curación personal, presente en las aproximaciones a culturas animistas indígenas, y como son el Budismo Shinto y algunas culturas indígenas. Para mí el arte es curación y magia. Curar a través del sonido y del espíritu de los objetos, puede abrir un portal entre la realidad física y la espiritual, como se ve en las reliquias de las iglesias sincréticas de México.
Cada objeto y su material, tienen una presencia específica y una historia por la cual llegaron a nuestro universo de conexiones. Además, cada cosa tiene su propia forma y sonido, que nos hace conscientes de nuestra relación con ella y con todos los demás objetos de nuestro entorno.
La naturaleza es nuestra gran maestra, un espejo donde observamos que todo cambia y evoluciona. Todo en la naturaleza es parte de un constante proceso de transformación.
La creatividad artística nos permite expresarnos de manera auténtica, conectarnos con los demás a un nivel más profundo y tener un impacto significativo en nuestro entorno. Su verdadero valor radica en su capacidad para inspirar, transformar y enriquecer nuestras vidas y las de los demás.
Además, creo que la naturaleza nos brinda alternativas no binarias para percibir las cosas. En la cultura china, el Yang representa la actividad, la luz, el calor, la expansión y la dominancia, mientras que el Yin representa la pasividad, la oscuridad, el frío, la contracción y la receptividad.
En el concepto de Yin y Yang, el equilibrio se alcanza cuando estas fuerzas opuestas están en armonía. Se cree que todos los aspectos de la vida, la naturaleza y el universo, están regidos por la interacción dinámica de Yin y Yang, y lograr un equilibrio entre estas energías es fundamental para el bienestar general, la salud y la armonía.
¿QUÉ TAN IMPORTANTE ES PARA TI EL DAR PASO AL ACCIDENTE Y/O LA IMPROVISACIÓN EN TU PERFORMANCE?
El accidente y la improvisación son técnicas esenciales para mí, tanto en la música, como en el performance y en las artes visuales. Las técnicas aleatorias de compositores como John Cage, y artistas del movimiento Fluxus como Yoko Ono, así como obras como “Rayuela” de Julio Cortázar, y las técnicas del pintor Jackson Pollock, influyeron mucho en mi forma de crear.
Mi incursión en el lenguaje del jazz, combinada con los conceptos de compositores como Karlheinz Stockhausen o Pauline Oliveros, me ayudaron a concebir narrativas no lineales, tanto en mi obra musical como en el performance.
Al mismo tiempo, la unión de la magia, el arte, la danza, el ritual y la música en comunidades no occidentales, me ha abierto los ojos a la función del arte, como proceso comunitario y curativo, como forma de vida.
Por otro lado, creo que el “accidente” nos confirma que en el performance, en la música y en la vida, no existe el error, y lo que sucede es exactamente lo que tiene que suceder. Como decía el gran músico de jazz, Miles Davis: “No es la nota que tocas lo que está mal – es la nota que tocas después la que la hace correcta o incorrecta”. Por su parte, Salvador Dalí afirmaba que “los errores son casi siempre de naturaleza sagrada y nunca hay que intentar corregirlos”. Dalí subraya que “los errores se deben razonar y entender a fondo con el único propósito de sublimarlos”.
¿DE QUÉ FORMA HA INFLUIDO LA OPORTUNIDAD DE IMPLEMENTAR HERRAMIENTAS TECNOLÓGICAS EN TU OBRA?
La tecnología es una herramienta muy poderosa para la creación, pero también puede convertirse en una trampa si no se usa con conocimiento y precaución. Personalmente, he sido testigo del cambio del mundo analógico al digital. En 1995, comencé a escribir la partitura de mi obra para orquesta “Ome Acatl” a mano, pero
la terminé utilizando uno de los primeros programas de notación musical en computadora. Con el tiempo, mi música evolucionó y empecé a utilizar programas gráficos para crear mis partituras.
En los primeros años del 2000, me adentré en la creación de obras interactivas, utilizando sensores para interpretación en vivo, e instalaciones. Utilicé sensores de luz y movimiento, para activar vídeos y sonidos en mis primeros objetos sonoros curativos, a los que llamé “Objetos sonoros ciber-totémicos”.
Eventualmente, creé una obra para soprano con video en vivo a través de Skype, antes de la existencia de “Zoom”; siempre me ha interesado la tecnología como herramienta creativa. Me llama la atención especialmente el “glitch” o las debilidades de los programas y algoritmos.
En mi pieza “Open Letter/Carta abierta”, dicté en español a un programa de transcripción de voz a texto, una carta que el poeta Javier Sicilia había enviado al presidente Barack Obama tras la muerte de su hijo, debido al crimen organizado con armas provenientes de Estados Unidos. El resultado textual, en español, se convirtió en una suerte de escritura automática surrealista que parecía carecer de sentido lógico.
Para mi obra más reciente, exhibida en Zona Maco 2024, partí de un diálogo de meses con programas de inteligencia artificial sobre mi propia fluidez de género, y la exploración reciente de mi “ánima”, término junguiano que representa la parte femenina en un individuo que nace en un cuerpo masculino. Las imágenes presentadas en la exposición, se formaron utilizando simbolismo, metáfora y arquetipos, que reflejaban mi propia feminidad, generando así, imágenes interiores representativas de mi identidad de género.
Fue especialmente significativo reinterpretar cada impresión digital, retocándolas a mano con óleo o pastel para borrar la frontera, y conectando nuestra realidad tridimensional con la realidad virtual, que para mí, simboliza la disolución entre la realidad de los sueños y la realidad física.
DE IGUAL FORMA TU TRABAJO ABARCA MÚLTIPLES TEMÁTICAS, PERO SI PUDIERAS ELEGIR EL MOTOR O PUNTO DE ENCUENTRO ENTRE TODAS, ¿CUÁL SERÍA?
En términos generales, el propósito de mi trabajo artístico es redefinir los límites convencionales entre la música, la composición y las intersecciones entre diversas disciplinas como la política, los derechos humanos, la espiritualidad y la conciencia social.
Mi vida misma, con todo lo que encuentro en ella, actúa como motor de mi curiosidad. Esta inquietud constante, me impulsa a buscar lo desconocido y a enfrentar mis miedos. Es un proceso continuo que me lleva a tratar de superar cualquier límite que se interponga en mi camino.
La infinita complejidad de la existencia nos hace vulnerables y nos desafía a tomar riesgos. La decisión de hacerlo depende de nosotros, pero para lograrlo debemos enfrentar nuestros miedos y explorar
territorios desconocidos. La combinación de diversas disciplinas y temas, crea un lenguaje perfecto que comunica este proceso.
¿CÓMO DEFINIRÍAS LA ESTÉTICA CONTEMPORÁNEA Y DE QUÉ FORMA CREES QUE TIENE ECO EN TU OBRA?
Lo que conocí como estética contemporánea cuando era estudiante, ha evolucionado considerablemente. En el arte contemporáneo de finales del siglo XX, predominaba lo conceptual. Mis maestros, quienes escapaban del nacionalismo mexicano para romper con lo que llamaban “la cortina del nopal”, buscaban crear música contemporánea mexicana al nivel de lo que se estaba haciendo internacionalmente. En esa época, los movimientos artísticos eran limitantes pero muy importantes, y seguir el movimiento era casi obligatorio.
En los años 90, surgió el “performance”, lo que llevó al cuestionamiento de la identidad de género, el feminismo y la presencia necesaria y esencial de la mujer en las artes.
Cuando llegué a Estados Unidos con estos conceptos, me decían que mi arte no era lo suficientemente “mexicano”. Esto me llevó a buscar un trabajo conceptual con un significado que fuera, a mi ver “universalmente” mexicano.
De esta búsqueda, surgió la estética que adopté en las series “Border Cantos” (una obra multidisciplinaria fronteriza, en colaboración con el fotógrafo estadounidense Richard Misrach) y “Echo Exodus”, que presenté en la exposición quinquenal europea Documenta 14. En esta última serie, trasladé un fragmento de un barco de migrantes destrozado, de la isla de Lesbos, en Grecia, a Kassel, Alemania, para convertirlo en escultura sonora y objeto de sanación. Para mí, la idea del migrante que cruza la frontera de Estados Unidos para encontrar la libertad, se convirtió en una gran metáfora, ya que para encontrar la libertad siempre hay que cruzar fronteras, tanto físicas como conceptuales.
El tema de la identidad y fronteras surge una y otra vez en mi trabajo, y me refiero a fronteras más allá de la geografía: fronteras entre el presente y el futuro, entre disciplinas, entre sueños y realidad, y entre géneros, entre otras.
Después de Documenta, durante mi participación en la bienal Pacific Standard Time de la Getty Foundation, me encargaron una pieza que comentara sobre una exposición de códices europeos, que clasificaban y nombraban los productos explotables de las Américas. De ahí surgió “Sonic Biogenesis/Biogenética Sonica”, que compara la apropiación genética de las empresas, con la apropiación y renombramiento en español de la naturaleza de las Américas, y la explotación de bienes y productos provenientes del continente.
Mi obra “Piercing Kisses/Besos Penetrantes”, surge de mi curiosidad por los procesos naturales no jerárquicos, en un ambiente natural horizontal y simbiótico. La obra cuestiona la jerarquía piramidal. Este proyecto se relaciona con mi búsqueda interior en cuanto a fluidez de género, un viaje asistido por inteligencia artificial, que cuestiona mi propia feminidad divina y su contraparte, la masculinidad tóxica, a través de arquetipos y formas naturales.
La continuación de “Sonic Biogenesis/Biogenética Sonica” se llamo “Ruido negro: mutaciones antropocénicas” que presenté en la ciudad de México en el Centro de Cultura Digital. La exposición consistía en una serie de piezas que incluían: “Efigies de carbón, objetos sónicos, proyecciones digitales, animaciones de organismos mutantes post-antropocénicos, luz, oscuridad: es a partir de estos elementos, que se entrelazan las sintaxis compositivas, y las gramáticas estéticas en el espacio propuesto por Ruido negro. Con ellos, Ruido negro generaba un espacio tensionado entre los clásicos sistemas taxonómicos de catalogación de especies, provenientes de códices europeos, y los sistemas actuales de las ciencias y corporaciones biogenéticas, que son condición de posibilidad del extractivismo, y la modificación genética de especies de fauna y flora para su comodificación. Las tensiones y entrelazamientos de dichas epistemes se deslizan en Ruido negro, hacia formas protéicas de lo mutante, y la imaginación artística.”
¿CÓMO ENCUENTRAS EL BALANCE CREATIVO EN CADA PROYECTO?
La mayor parte del tiempo, me veo trabajando en varias piezas, en distintos medios simultáneamente, y noto que elementos de unas se superponen con otras. Veo mi obra como un viaje continuo, donde todas las piezas y todos los lugares, forman parte del mismo universo. Siempre he abordado el concepto de “Work in Progress” o “Obra en proceso”, que aplica una constante transformación. Al mismo tiempo considero que el proceso es más importante que el producto final; es en el proceso en donde más se aprende y en donde las ideas se combinan y se multiplican.
Considero mi obra como una trayectoria constante, sin una meta en particular, donde estar a la deriva es una situación común y cotidiana, una forma de vida.